Portrait du compositeur

Ce musicien, compositeur et chef d’orchestre, qui a déjà trente ans de carrière derrière lui, a joué dans des dizaines de pays et de festivals sur presque tous les continents du monde, aussi bien comme instrumentiste que comme compositeur pour des œuvres de commande. Il a été curateur et chef d’orchestre invité du Norwegian Wind Ensemble de 2009 à 2012, a composé pour de nombreux festivals à la croisée du jazz et de la musique nouvelle, a fondé à plusieurs reprises ses propres ensembles et a reçu un hommage particulier en 2011, lorsque les Danish Chamber Players ont consacré une soirée entière à sa musique.
 Steffen Schorn n’a cessé de gravir les échelons parmi les grands noms de la scène jazz allemande, et pas seulement en raison d’un bref succès explosif dans le genre. Ses talents ont été et sont toujours sollicités dans les contextes musicaux les plus divers et conduisent toujours à des performances de haut niveau. Ses étapes en tant qu’instrumentiste, compositeur, directeur et arrangeur de petits et grands ensembles, sa fascination pour les musiques de tous les mondes terrestres, ses connaissances approfondies des structures rythmiques des peuples de notre planète ont fait de lui, au fil des décennies, un musicien du monde comme il n’en existe en fait plus en Allemagne. Steffen Schorn est en train d’atteindre le sommet de son art. Actuellement, le dernier opus d’une trilogie de CD avec le Zurich Jazz Orchestra sort et son projet le plus ambitieux et le plus grand à ce jour est déjà dans les starting-blocks :

Camille Claudel – un opéra intérieur.

Nous avons posé quelques questions au compositeur et multi-instrumentiste de renommée mondiale.

Comment est née l’idée du projet Camille Claudel ?

En 1988, alors que j’étais étudiant en musique à Cologne, j’ai vu le film du même nom avec Isabelle Adjani. Après la scène finale, dans laquelle Camille Claudel a été envoyée par sa propre famille à l’hôpital psychiatrique de Montdevergues, où elle est morte 30 ans plus tard dans la solitude, j’ai été tellement bouleversé et perturbé que j’ai ensuite marché pendant 2 heures dans la mauvaise direction, sans pouvoir m’orienter, et j’ai fini par composer une séquence imprégnée de souffrance à partir d’images d’horreur intérieures, une fois rentré chez moi. J’ai ensuite enregistré cette séquence sur mon magnétophone à cassettes multipistes et j’ai été tellement choqué par l’effet que j’ai dû la mettre de côté – c’était tout simplement too much.
Mais je savais déjà à l’époque que j’écrirais un jour une œuvre de longue haleine, composée en quelque sorte „à l’envers“, qui se développerait et se déploierait à partir de la cellule germinale initiale. C’était il y a plus de 30 ans, aussi longtemps que Camille Claudel a passé involontairement du temps dans un hôpital psychiatrique. Certes, l’impulsion de commencer enfin refaisait surface tous les deux ans, mais ma vie agitée ne laissait pas de place pour cela. Il y a deux ans, j’ai appuyé sur une sorte de bouton de réinitialisation, j’ai commencé à m’écouter profondément et j’ai ressenti cet appel intérieur urgent.

Comment faut-il s’y prendre ? Comment se déroule le processus de composition ?

Tout d’abord, je m’assieds et j’examine le matériau de base à la recherche de tendances formatrices inhérentes, de structures horizontales, verticales et rotatives, de réflexions, d’expansions et de compressions, etc. Je développe un matériau harmonique, mélodique, rythmique et sonore dans toutes ses variations, je ressens les couleurs, je crée des modes et des espaces sonores complémentaires qui entrent en résonance avec mes images intérieures.
Ensuite, je pratique ces structures sur différents instruments, j’en ressens les effets et j’essaie de tout mémoriser dans toutes les transpositions. Entre-temps, j’enregistre des esquisses sonores dans mon studio et j’expérimente des combinaisons et des possibilités d’enchaînement. Il s’agit d’abord d’un processus de déploiement rigoureux et extrêmement méticuleux, non linéaire, qui me permet de m’immerger toujours plus profondément dans l’univers sonore que j’ai moi-même généré. Il y a des „interruptions“ au cours desquelles je fais un pas en arrière pour saisir intuitivement l’impact émotionnel et le contenu formel et chercher, avec l’éblouissante multi-vocaliste norvégienne Ruth Wilhelmine Meyer, une forme d’expression non verbale qui intègre les dimensions systémiques et psychiques. Dans d’autres phases, j’essaie de me plonger plus profondément dans les sources d’inspiration historiques – je lis des textes, je fais des recherches sur Internet, je voyage et je m’imprègne des œuvres de Camille Claudel, ces chefs-d’œuvre éblouissants et incroyablement expressifs.

Comment est né le contact avec la soliste vocale Ruth Wilhelmine Meyer  d’Oslo ?

Ruth Wilhelmine m’a contacté après un concert à Oslo avec le groupe du tubiste Lars Andreas Haug et m’a dit que nous avions tous les deux l’air de jumeaux d’âme sur scène – ce qui a donné le nom à notre CD en duo „Soul Twins“. Nous avons eu une conversation animée et avons tout de suite senti un lien intense. J’ai ensuite écouté des enregistrements de Ruth et j’ai été énormément séduite par la profondeur sensible, l’immense variété et la capacité de transformation de sa voix, ainsi que par l’intégrité artistique de ses propres projets.
Lorsque le conservatoire de musique de Nuremberg a fait défaut à notre festival et que l’on cherchait quelqu’un pour diriger un atelier intensif de la classe de chant jazz et se produire dans la série Art of Jazz, j’ai spontanément pensé à Ruth. Comme elle n’est pas une chanteuse de jazz, mais qu’elle vient de la tradition nordique, mais qu’elle considère l’improvisation comme un élément important de sa musique, il s’agissait d’une expérience qui s’est avérée totalement réussie. Pendant l’atelier et le concert, l’étincelle a jailli et nous sommes entrés dans un flow incroyable. J’ai alors su que c’était elle qui allait jouer le „rôle principal“ dans ma nouvelle œuvre.

Qu’est-ce que la notion d‘ „opéra intérieur“ ?

Le volume de la soirée et la „matière“ de l’œuvre dramatique ont toutes les caractéristiques d’un opéra. Il n’y a cependant pas de construction scénique pompeuse, pas de personnages avec des „rôles“ imposés et des dialogues préconçus, pas d’intrigue linéaire, mais différentes scènes qui sont tissées entre elles à différents niveaux de temps et d’espace et qui se fondent en sculptures sonores. Le souffle, l’improvisation et la lumière y jouent un rôle central. Tout le drame se déploie à l’intérieur : des espaces se créent entre le silence et le son, les textures abstraites et les rythmes lancinants, la volupté extatique et la folie lancinante, la densité extrême et les passages atrocement prolongés. Mais aussi une beauté pure, une force lyrique et une sensualité débridée.

Quel genre d’ensemble avez-vous constitué ?

Pour ce projet, il faut des improvisateurs qui aiment ça et qui sont capables de se plonger profondément dans ce cosmos, de se familiariser avec le matériel et de l’animer avec leur propre personnalité artistique. Les exigences instrumentales sont très élevées, mais il est en même temps essentiel que le son laisse suffisamment de place à l’épanouissement de la voix. J’ai constitué un nouvel ensemble de dix musiciens qui permet des constellations sonores fantastiques et variées : harpe, instruments à clavier, flûtes du piccolo à la contrebasse, tuba et tubax, clarinettes et saxophones de toutes tailles, instruments intermédiaires rares et exotiques, autres générateurs de sons aussi loin que porte le souffle – rien que le parc d’instruments sur scène fera penser à un jardin de sculptures. Tous les membres de l’ensemble sont eux-mêmes chefs d’orchestre de leurs propres projets et ont développé leur propre voix sur leur instrument, tout en étant capables de se fondre dans le son global et d’agir avec une précision rythmique souveraine.

Quels sont les prochains projets ?

Nous allons produire un CD pour le Deutschlandfunk à Cologne en novembre, donner des concerts et nous rendre à Constance, mon ancienne ville natale, ce dont je me réjouis particulièrement. En outre, il y a une demande concrète pour le symposium „Music and Psychology – Interdisciplinary Encounters“ fin octobre 2022 à Belgrade, où je donnerai avec Ruth Wilhelmine une introduction à notre méthode de travail et où j’espère recevoir de nouvelles impulsions inspirantes. En ce moment, je suis en train d’explorer – sous l’impulsion de Kai Geiger – des possibilités de coopération avec l’art vidéo immersif, la psychoacoustique et la danse, ce qui ouvre des perspectives passionnantes, nouvelles et très prometteuses.
À partir de 2024, il est prévu de produire une version orchestrale avec le Norwegian Wind Ensemble, si tout se passe bien, entre autres au musée Munch d’Oslo.

texte et interview: Andreas Richartz

l´ensemble:

Ruth Wilhelmine Meyer – voix artiste
Michael Heupel – piccolo, flûte, flûtes alto, basse, contrebasse, subcontrebasse
Rebecca Trescher – clarinette, clarinette basse
Roger Hanschel – saxophones sopranino, soprano, mezzo-soprano en fa, alto, flûte, clarinette alto
Julian Bossert – flûte, clarinette, clarinette alto, saxophones soprano, alto, ténor
Stefan Karl Schmid – flûte traversière, flûte alto, clarinette, clarinette alto, clarinette basse, saxophone ténor
Lars Andreas Haug – tuba, saxophone soprano, voix
Johannes Billich – piano, claviers, percussions
Anton Mangold – harpe de concert, saxophone alto, saxophone soprano, flûte traversière
Steffen Schorn – direction artistique: concept, composition & arrangement, sound design
piccolo, flûte, flûtes alto, basse, contrealto, contrebasse,
saxophones soprano, C-melody, basse, subcontrebasse, clarinettes alto, contrealto

tournée de concerts : 15-20 novembre et décembre 2022
Enregistrement du CD : 21-24 novembre 2022 @ DLF, cologne